Eine kurze Geschichte der Entstehung des sowjetischen Kinos

2024 Autor: Seth Attwood | [email protected]. Zuletzt bearbeitet: 2023-12-16 16:01

Wir setzen unseren Leitfaden zur Geschichte des russischen Kinos fort. Diesmal analysieren wir die zweite Hälfte der Sowjetzeit: vom Tauwetter und der „neuen Welle“zum kooperativen Kino und Nekrorealismus.

Als wir das letzte Mal den Ursprung des heimischen Kinos untersuchten, wie sich Revolution, Krieg und Politik darauf auswirkten, erinnerten wir an die wichtigsten ästhetischen Entdeckungen und technischen Innovationen dieser Zeit. In diesem Artikel wenden wir uns der Zeit des Chruschtschow-Tauwetters und den schwierigen 1990er Jahren zu.

1950-1960er Jahre

Der Tod Joseph Stalins im März 1953 wurde zu einem Wendepunkt in der Geschichte und im Leben der gesamten UdSSR und spiegelte sich natürlich im Kino wider. Im Zuge des politischen Kurswechsels wurde das Kulturmanagement fast umgehend neu organisiert. Unter anderem wurde das Ministerium für Kinematographie aufgelöst und das Kino in Abteilungen des Kulturministeriums überführt. Eine wichtige Folge davon war die relative Schwächung der staatlichen Kontrolle.

Das nächste Ereignis, das den Kurs in Richtung Liberalisierung, Aufweichung der Zensur und Erweiterung der Gestaltungsfreiheit festigte, war der 20. Parteitag der KPdSU im Februar 1956, auf dem der Personenkult um Stalin kritisiert wurde. In dieser Zeit wurden die Treffen von Beamten mit Filmemachern zu einer besonderen Art der Interaktion zwischen Staat und Kino.

Die größten und bedeutendsten Treffen fanden 1962 im Empfangshaus auf den Leninbergen in Moskau und 1963 im Swerdlowsk-Saal des Kremls statt. Bei der letzten Veranstaltung gelang es kreativen Persönlichkeiten, die Notwendigkeit der Gründung einer Union der Kameraleute (die zwei Jahre später gegründet wurde) zu verteidigen. Gleichzeitig wurde beschlossen, die Kinematographie in die Zuständigkeit des staatlichen Kinos zu übertragen, was in der Tat die Rückkehr zu einer sorgfältigeren Kontrolle der Kinematographie bedeutete. Die Staatliche Filmagentur wird die Entwicklung des Kinos im Land bis zum Ende der Existenz der UdSSR überwachen.

Das heimische Kino der Mitte der 1950er - Ende der 1960er Jahre ist das Kino der Tauwetter. Die sowjetische Kinematographie erneuert sich in diesen Jahren aktiv, entdeckt neue Themen und technische Möglichkeiten. Dieser Prozess basiert in vielerlei Hinsicht auf Polemik mit den künstlerischen Haltungen des Stalinschen Kinos.

Die Autoren bewegen sich weg von "konfliktfrei", "landrine" und "Realitätslackierung" hin zu einer realistischeren oder poetischeren Kinematographie. Gleichzeitig sind die sowjetischen Regisseure sowohl vom ausländischen Kino - dem italienischen Neorealismus, der polnischen Schule, der französischen "Neuen Welle" - als auch vom einheimischen - der revolutionären Avantgarde der 1920er Jahre - stark beeinflusst

Die Kinematografie wird humanistischer. Die Hauptfigur der Ära ist ein „gewöhnlicher Mann“, der zudem im Vergleich zu den Helden der vorherigen Ära viel jünger wird. Die Autoren wenden sich seiner Persönlichkeit zu, machen ihn psychologisch heller, interessanter und vielfältiger. Als nächstes ändert sich das Bildschirmmodell der Gesellschaft. War früher die zentrale Beziehung "der Führer - das Volk", ist es heute die Familie.

Das führende Genre ist ein modernes Drama, das den Alltag der einfachen Leute darstellt. Das Genre ermöglicht es, aktuelle Konflikte aufzudecken und zur Behauptung universeller menschlicher Werte zu gelangen, die Lebenswirklichkeiten aufzuzeigen und zu poetisieren. Typische Tonbänder: "Frühling in der Zarechnaya-Straße", "Höhe", "Als die Bäume groß waren", "Neun Tage in einem Jahr", "So ein Typ lebt".

Der Einfluss des dokumentarischen Ansatzes ist in Filmen wie "Other Children", "Short Meetings", "Wings", "The Story of Asya Klyachina, Who Loved, But Did Not Marry" spürbar. In manchen Gemälden schaffen die Autoren eine Art Porträt der Epoche und ein Porträt einer Generation. Zum Beispiel in "Ich laufe durch Moskau", "Liebe", "Zärtlichkeit", "Drei Tage Viktor Chernyshov". Die Werke von Marlen Khutsiev: "Ich bin 20 Jahre alt" ("Ilyich's Outpost") und "Juli Regen" werden zu Symbolen des Tauwetters (seiner Blütezeit bzw. des Sonnenuntergangs).

Die aktualisierte sowjetische Komödie basiert hauptsächlich auf dem modernen Thema des Alltags. Leonid Gaidai arbeitet in der exzentrischen Richtung des Genres: „Operation „Y“und andere Abenteuer von Shurik, „Prisoner of the Caucasus“oder Shuriks Neue Abenteuer“, „The Diamond Hand“. Eldar Ryazanov kreiert lebensbejahende Komödien: "Karnevalsnacht", "Vorsicht vor dem Auto", "Zickzack des Glücks". Komödie von Georgy Danelia - traurig: "Seryozha", "Dreiunddreißig". Erwähnenswert sind die satirische Komödie von Elem Klimov ("Welcome or No Unauthorized Entry", "The Adventures of the Dentist") und die Musikkomödie von Rolan Bykov ("Aibolit-66") sowie "Maxim Perepelitsa", "Unnachgiebig", "Mädchen" …

Ein weiteres bedeutendes Genre der Ära ist das Kriegsdrama. Von den Epen, Konventionen und Schematismus der Kriegsfilme Stalins gehen die Autoren über zum Drama individueller Schicksale. Ein neues, tragisches Kriegsbild und eine Antikriegsbotschaft werden in Filmen wie "Die Kraniche fliegen", "Das Haus, in dem ich lebe", "Das Schicksal eines Mannes", "Ballade eines Soldaten", „Frieden den Ankommenden“, „Ivans Kindheit“, „Leben und Tote“, „Vater eines Soldaten“.

Der Krieg und das Phänomen Nationalsozialismus werden in dem groß angelegten Dokumentarfilm "Der normale Faschismus" nachempfunden. Im Mainstream der Humanisierung findet ein Umdenken der für das sowjetische Kino wichtigen historischen und revolutionären Themen statt: „Pavel Kortschagin“, „Einundvierzig“, „Kommunist“, „Erster Lehrer“, „Es gibt keine Furt im Feuer ", "Zwei Kameraden dienten."

Die klassische Literatur wird für Filmemacher wieder zu einer starken Inspirationsquelle. Eine Reihe epischer Werke russischer und ausländischer Autoren werden auf die Leinwand übertragen: Der Idiot, Die Brüder Karamasow, Krieg und Frieden; Othello, Don Quijote, Hamlet.

Ein Generationswechsel findet statt - eine Generation junger Filmemacher, Frontsoldaten und "Kinder des Krieges" kommt: Grigory Chukhrai, Sergey Bondarchuk, Alexander Alov und Vladimir Naumov, Andrey Tarkovsky, Vasily Shukshin, Marlen Khutsiev, Gleb Panfilov, Andrey Konchalovsky, Larisa Shepitko, Elem Klimov, Alexander Mitta, Andrey Smirnov, Gennady Shpalikov, Sergey Parajanov, Tengiz Abuladze und viele andere.

Aber auch Veteranen des sowjetischen Kinos machen ihre besten und bedeutendsten Filme für diese Zeit: Mikhail Romm, Mikhail Kalatozov, Yuliy Raizman, Iosif Kheifits, Alexander Zakhri, Grigory Kozintsev, Sergei Gerasimvo, Ivan Pyriev und andere

Auch die Gesichter des sowjetischen Kinos verändern sich. Eine neue Generation von Schauspielern kommt: Nikolai Rybnikov, Nadezhda Rumyantseva, Alexei Batalov, Innokenty Smoktunovsky, Andrey Mironov, Evgeny Evstigneev, Tatyana Samoilova, Vasily Lanovoy, Vyacheslav Tikhonov, Lyudmila Gurchenko, Tatyana Mordyukhaven, E Demlegyana Mordyukovan Doronina, Oleg Tabakov, Evgeny Leonov, Stanislav Lyubshin, Vasily Shukshin, Yuri Nikulin, Mikhail Kononov, Anatoly Solonitsyn, Inna Churikova, Nikita Mikhalkov und viele andere.

War das spätstalinistische Kino extrem akademisch, abgesehen von der Manifestation eines individuellen Autorenstils, werden die Autoren jetzt in ihren Ausdrucksmitteln freier. Die Kinosprache der Malerei wird durch die Verbreitung von Techniken wie handgehaltene und subjektive Kamera, Verkürzung, interner Monolog, Doppelbelichtung, zerrissene Bearbeitung usw. bereichert.

Besondere Höhen erreicht Operator Sergei Urusevsky im Bereich der visuellen Ausdruckskraft ("The Cranes Are Flying", "Unsent Letter", "I am Cuba"). Es ist auch erwähnenswert, dass das frühe Tauwetterkino überwiegend in Farbe war, aber seit der zweiten Hälfte der 1950er Jahre verschwindet die Farbe schnell, und das Kino der 1960er Jahre wird wieder hauptsächlich in Schwarzweiß. Dies lag an wirtschaftlichen Erwägungen, der unwichtigen Qualität des heimischen Farbfilms, sowie der Hinwendung zum Dokumentarfilm, die mit s/w verbunden war.

Eine Reihe von Bildern, die in Bezug auf Spezialeffekte bemerkenswert sind, sind entstanden. Eine interessante Figur in diesem Zusammenhang ist Pavel Klushantsev, der populärwissenschaftliches Kino mit Weltraum-Science-Fiction kombinierte: The Road to the Stars, Planet of Storms. Auch in Bezug auf Spezialeffekte sind Filme wie "Amphibian Man" und "Viy" erwähnenswert.

Eine besondere Richtung des sowjetischen Kinos ist bildhaft und poetisch und neigt dazu, die Realität zu symbolisieren. Es ist merkwürdig, dass sich solche Bilder oft auf Legenden und rituelle und rituelle Darbietungen stützen: "Schatten der vergessenen Vorfahren", "Die Farbe des Granatapfels", "Abend am Vorabend von Ivan Kupala", "Steinkreuz", "Gebet".

Das Volumen der Filmproduktion nimmt um ein Vielfaches zu. Wenn also 1951 (das Jahr der "Kleinbild"-Periode) neun Filme gedreht wurden, lag die durchschnittliche Anzahl der inländischen Filme, die pro Jahr produziert wurden, in den 1960er Jahren zwischen 120 und 150. Kino expandiert.

Trotz der Liberalisierung sind Filmemacher weiterhin Zensurbeschränkungen ausgesetzt, und seit 1965 wird das "Regal" der verbotenen Filme wieder aufgefüllt. Die fertigen Gemälde "Tight Knot", "The Groom from the Other World", "Ilyich's Outpost" wurden erheblichen Zensurbearbeitungen unterzogen. Unter den ersten verbotenen Gemälden - "Ein Frühling für die Durstigen", "Schlechter Witz", "Langer Abschied", "Kommissar", "Pervorosser", "Der Beginn eines unbekannten Zeitalters", "Andrei Rublev".

Die erneuerte sowjetische Kinematographie gewinnt weltweite Anerkennung. Die Kraniche fliegen 1958 wurden bei den Filmfestspielen von Cannes mit der Palme d'Or ausgezeichnet (dem einzigen Sieg für das russische Kino in Cannes), und Ivans Kindheit wurde 1962 bei den Filmfestspielen von Venedig mit dem Goldenen Löwen ausgezeichnet.

1970er – erste Hälfte der 1980er Jahre

Der Zeitraum von Ende der 1960er bis Mitte der 1980er Jahre ist für das sowjetische Kino eher zweideutig. Einerseits wurde in dieser Zeit ein erheblicher Teil der Filme gedreht, die als "goldener Fonds" des russischen Kinos gelten. Andererseits nahmen in dieser Zeit die Krisenphänomene allmählich zu. Die Kinobesuche gingen zurück, der Druck des Zensursystems war oft übertrieben und die künstlerische Qualität verschlechterte sich allmählich, weshalb führende Filmemacher Anfang der 1980er Jahre sogar das Problem - die Dominanz der sogenannten "Graufilme" - erkannten. Die wohl erfolgreichste Charakterisierung dieser Zeit ist "die Blütezeit der Stagnation".

Das Genresystem bleibt ungefähr das gleiche wie in den 1960er Jahren. Aber die individuellen Handschriften und Stile der Regisseure werden immer deutlicher. Der bedeutendste und originellste Autor in diesem Zusammenhang ist Andrei Tarkovsky, der in dieser Zeit Solaris, Mirror, Stalker und Nostalgia gedreht hat. Seine Malerei zeichnet sich durch ihren besonderen Umgang mit der Zeit, die Komplexität der Struktur, metaphorische Bildsprache und philosophische Tiefe aus.

Alexey German erforscht die komplexen Momente der Geschichte und greift dabei auf akribische Rekonstruktion und maximales Eintauchen in die gefilmten Ereignisse zurück: "Checking on the road", "Zwanzig Tage ohne Krieg", "Mein Freund Ivan Lapshin". Durch die erhöhte Aufmerksamkeit für die Lebenswirklichkeiten und die Originalität der Filmsprache wird Herman zu einem der am meisten verbotenen sowjetischen Regisseure.

Elem Klimov schafft eine Vielzahl unterschiedlicher Gemälde, vereint durch eine ausdrucksstarke Bildserie, schwarzen Humor, das Thema der moralischen Suche, einer historischen Wende und der nahenden Apokalypse: "Agony", "Farewell", "Come and See".

Im Retro-Bereich (mit einem Hauch Groteske und Postmoderne) arbeitet Nikita Mikhalkov, wobei er sich lieber auf die Geschichte oder eine solide literarische Basis stützt: "Einer von uns unter Fremden, ein Fremder unter uns", "Sklave der Liebe", "Unvollendetes Stück für mechanisches Klavier", "Fünf Abende", "Ein paar Tage aus dem Leben von I. I. Oblomov."

Wassili Schukschin ("Ofenbänke", "Kalina Krasnaya"), Andrey Smirnov ("Belorussky Station", "Herbst"), Andrey Konchalovsky ("Romance of Lovers", "Sibiriade"), Gleb Panfilov ("Beginning", "I nach Worten fragen", "Betreff"), Vadim Abdrashitov ("Jagd auf Füchse", "Der Zug hielt an"), Roman Balayan ("Flüge in Träumen und in der Realität"), Sergei Mikaelyan ("Preis", "Freiwillig verliebt.) “), Vladimir Menschow („Moskau glaubt nicht an Tränen“), Sergei Soloviev („Hundert Tage nach der Kindheit“), Rolan Bykov („Vogelscheuche“), Dinara Asanova („Der Specht hat keine Kopfschmerzen“).

"Urlaubskomödie" wird endlich von Satire und Tragikomödie-Parabel abgelöst. Komiker Leonid Gaidai (12 Chairs, Ivan Vasilyevich Changes Profession, Sportloto-82), Eldar Ryazanov (Old Robbers, The Irony of Fate, or Enjoy Your Bath!), Office Romance "," Garage "), Georgy Danelia (" Afonya ", „Herbstmarathon“, „Tränen fielen“)

Unter den neuen Komikern: Vladimir Menshov (Love and Doves), Mark Zakharov (An Ordinary Miracle, The Same Münchhausen), Viktor Titov (Hallo, ich bin deine Tante!). Die Namen der letzteren sind mit dem Aufkommen des Fernsehfilmformats verbunden.

Das militärische Thema erweist sich für Gemälde tragischer Natur als äußerst fruchtbar. Alexey German entfernt "Check on the road" und "Zwanzig Tage ohne Krieg", Leonid Bykov - "Nur" alte Männer" und "Aty-baty, Soldaten gingen …", Sergei Bondarchuk - "Sie kämpften für das Mutterland ", Larisa Shepitko - "Aufstieg".

„Come and See“von Elem Klimova macht der Offenlegung des tragischen Potenzials des Themas ein Ende. Zugleich unterstützt der Staat aktiv schematische Kriegsepen, wie etwa Yuri Ozerovs groß angelegte mehrteilige „Befreiung“.

Die literarischen Klassiker bleiben die Basis für das Experiment. Außergewöhnliche Verfilmungen großer Schriftsteller werden von Andrei Konchalovsky ("Noble Nest", "Onkel Vanya"), Sergei Soloviev ("Yegor Bulychev und andere", "The Stationmaster"), Lev Kulidzhanov ("Crime and Punishment") gedreht.

Einige Regisseure sind auf Genrekinematographie spezialisiert: Alexander Mitta, Boris Yashin, Tatiana Lioznova, Sergei Mikaelyan. Es entstehen die wichtigsten sowjetischen Blockbuster - spektakuläre Filme von besonderer Inszenierung, die bei den Zuschauern sehr beliebt sind. Darunter sind "Fluch des XX Jahrhunderts" und "Crew".

Es wird versucht, alternative Modelle des Filmemachens zu schaffen. Beispielsweise wurde bei Mosfilm eine Experimental Creative Association unter der Leitung von Grigory Chukhrai organisiert. Es basierte auf dem Prinzip der Selbstversorgung. Das Ergebnis des Jahrzehnts (1965-1976) der Arbeit des Vereins waren die Hit-Gemälde "Weiße Sonne der Wüste", "Sklave der Liebe", "Tabor geht in den Himmel", "Ivan Wassiljewitsch wechselt den Beruf", "12 Stühle", "Sannikov Land" und andere.

Zu den neuen Stars der sowjetischen Leinwand in diesen Jahren zählen Oleg Yankovsky, Alexander Abdulov, Oleg Dal, Irina Muravyova, Leonid Kuravlev, Donatas Banionis, Anatoly Kuznetsov, Margarita Terekhova, Irina Kupchenko, Marina Neyelova, Yuri Bogatyrev, Oleg Basiuilashvili, Natalia Kaidanovsky, Leonid Filatov und andere

Die Zeit war geprägt von einer Reihe bedeutender Siege des sowjetischen Kinos auf Weltebene. 1977 erhält Larisa Shepitko bei den Berliner Filmfestspielen den Goldenen Bären mit Aufstieg. Von 1969 bis 1985 gehörte das sowjetische Kino neunmal zu den Oscar-Nominierten und gewann dreimal: Krieg und Frieden, Derza Uzala und Moskau glaubt nicht an Tränen.

In Bezug auf das Schicksal des Kinos und einer Reihe von Filmemachern pflegt der Staat eine Politik der kleinlichen Bevormundung und Willkür. Konflikte nehmen manchmal sehr extreme Formen an. Sergei Parajanov zum Beispiel kommt ins Gefängnis und Kira Muratova wird aus ihrem Beruf verbannt. Mikhail Kalik, Boris Frumin, Slava Tsukerman, Mikhail Bogin, Andrei Konchalovsky, Andrei Tarkovsky sehen sich zur Emigration gezwungen.

Zu Beginn der Periode wurde das „Regal“recht aktiv aufgefüllt (der Höhepunkt war 1968, als zehn Filme auf einmal verboten wurden). Unter den verbotenen Gemälden kann man "Intervention", "Madness", "The Colour of a Granatapfel", "Checking on the Roads", "Ivanov Boat", "Errors of Youth", "The Lonely Voice of a Man", „Thema“, „Wald“, „Mein Freund Ivan Lapshin“, „Traurige Gefühllosigkeit“, „Reue“.

Allmählich wurde die Zahl der verbotenen Filme geringer, da die Vorzensur auf Drehbuchebene immer effektiver funktionierte.

Zweite Hälfte der 1980er Jahre

Wieder einmal wurde durch politische Prozesse eine neue Seite in der Geschichte des russischen Kinos aufgeschlagen. Ein Jahr nachdem Michail Gorbatschow im Mai 1986 die Perestroika ausgerufen hatte, fand der 5. Kongress der Union der Kameraleute statt, auf dem die bürokratische Zentralisierung der Filmproduktion, die ideologische Kontrolle der Kreativität und andere charakteristische sowjetische Exzesse scharf kritisiert wurden. Danach wurde der Prozess der Entstaatlichung des Kinos eingeleitet, wobei 1989 die private Filmproduktion und der Filmvertrieb erlaubt wurden.

Es beginnt eine kurze "Multi-Picture"-Phase (1990 wird zum Spitzenjahr in Bezug auf die Anzahl der gedrehten Filme - 300), die gleichzeitig reich und krisenhaft war. Parallel zum Abbau von Zensurbeschränkungen und gestalterischer Freiheit löst sich das Kino vom Zuschauer, konzentriert sich unnötig auf interne Aufgaben, politisiert scharf und konzentriert sich darauf, die depressiven Seiten der Vergangenheit und Gegenwart zu reflektieren. Hinzu kommt ein Zuzug von Geringqualifiziertem (zB im kooperativen Kino), was zu einer Abnahme der künstlerischen und technischen Qualität führt.

Bilder zu modernen Themen zeichnen das Bild einer "unruhigen" Zeit, offenbaren das Thema Verlust, persönliche Dramen und sind deutlich pessimistisch angelegt. In extremen Formen wird diese Art der Kinematographie "chernukha" genannt. Die Hauptfiguren werden „erniedrigt und beleidigt“: Außenseiter, Obdachlose, Drogenabhängige, Prostituierte und so weiter. Kultbänder dieser Art: "Little Faith", "Tragedy in Rock Style", "Doll", "Glass Labyrinth", "Needle", "Asthenic Syndrome", "Satan".

Einen besonderen Platz nimmt das Thema Afghanistankrieg ein: „Bein“, „Afghanische Pause“. Parallel dazu findet eine "Explosion" akuter Sozialdokumentation statt, die die Krisentendenzen des Sozialstaates zum Ausdruck bringt: "High Court", "Ist es leicht, jung zu sein?"

Tragikomödie wird das moderne Thema in den Filmen Courier, Forgotten Melody for Flute, Promised Heaven, Intergirl, Taxi Blues gelöst. Im Allgemeinen nimmt im Comedy-Genre der Anteil an Exzentrizität offensichtlich zu, was sich in den Werken von Georgy Danelia ("Kin-dza-dza"), Leonid Gaidai ("Privatdetektiv oder Operation "Kooperation"), Yuri Mamin ("Brunnen", "Koteletten"), Leonid Filatov ("Kinder der Hündinnen"), Alla Surikova ("Der Mann vom Boulevard des Kapuziner").

Kooperatives Kino hat sich vor allem auf Comedy spezialisiert. Diese Filme zeichnen sich durch niedriges Budget, minderwertigen Humor und sexuelle Motive aus. Regisseur Anatoly Eyramdzhan ("Womanizer", "My Sailor") wird zum Anführer der Region.

Das historische Thema nimmt einen zentralen Platz ein – die Autoren bemühen sich, Probleme zu lösen, über die vorher nicht gesprochen werden konnte. Die Themen Repression, Personenkult, Staatskriminalität und Terror, soziale und häusliche Unordnung werden berührt. Zu diesen Gemälden gehören "Herz eines Hundes", "Morgen war der Krieg", "Feste von Belsazar oder Nacht mit Stalin", "Kalter Sommer des Dreiundfünfzigsten …", "Eine goldene Wolke schlief …", "Der Königsmord", "Inner Circle", "Lost in Sibiria", "Freeze-Die-Resurrect".

Für eine Reihe von Regisseuren eröffnet die neue Ära Möglichkeiten für ein kühnes Experiment mit der filmischen Form. Sergei Solovyov dreht eine "mrasmatische Trilogie": "Assa", "Black Rose - das Emblem der Traurigkeit, die rote Rose - das Emblem der Liebe", "Haus unter dem Sternenhimmel". Sergei Ovcharov erschafft absurde satirische Geschichten: "Lefty", "It". Konstantin Lopushansky ("Briefe eines Toten"), Alexander Kaidanovsky ("Die Frau des Kerosinmenschen") neigen zur Gleichnisform. Oleg Teptsov ("Mister Designer") verweist auf das Erbe des vorrevolutionären Kinos.

Das Werk von Alexander Sokurov ("Days of the Eclipse", "Save and Preserve", "Second Circle"), das nicht auf der Dekonstruktion der allgemein anerkannten Traditionen des Kinos beruht, hebt sich ab

Aus dem Untergrund treten Vertreter des Parallelkinos und des Neorealismus, Regisseure, die seit den 1970er Jahren illegal, guerilla, semi-amateurhaft Kurzfilme mit radikalem Inhalt (meist über Gewalt, Tod und Perversion) drehen. Aus dem Untergrund gelangten die Autoren mit Unterstützung von Alexei German und Alexander Sokurov in die wichtigsten Filmstudios des Landes: Auf Mosfilm drehten sie "Someone Was Here" von den Aleinikov-Brüdern und auf Lenfilm - "Knights of the Heavens" von Yevgeny Yufit und "Genosse Chkalovs Überquerung des Nordpols" von Maxim Pezhemsky.

Sergei Selyanov kam auch aus dem Underground-Kino. Seit Anfang der 1980er Jahre drehte er in Eigenregie den Film "Angel Day", der Ende des Jahrzehnts die Unterstützung von "Lenfilm" erhielt. Tatsächlich kann es als der erste sowjetische Independent-Film angesehen werden.

Und schließlich bemerken wir die Entstehung des Filmfestivals, das zur Hauptshow des nationalen Kinos wurde und anschließend eine bedeutende Rolle bei der Entwicklung des russischen Kinos spielte. 1990 wurde Kinotavr von Mark Rudinstein und Oleg Yankovsky organisiert.